¿Por qué tantas series son canceladas antes de estrenarse?

Últimamente empieza a ser muy habitual encontrarnos titulares sobre series que han sido canceladas antes de llegar a ser emitidas. Ya sabemos que a las cadenas (sobre todo a las generalistas) no les tiembla el pulso a la hora de deshacerse de un título si no cubren las expectativas con los datos de audiencia o si sus resultados son regulares y ni siquiera son fuente de prestigio crítico. Por supuesto, y ya entrando en casos de más longevidad, están los problemas creativos o presupuestarios, que pueden favorecer o perjudicar una renovación.

Sin embargo, se me antoja mucho más complicado el valorar los motivos que llevan a una cadena a fulminar una serie antes de haberla pasado por la parrilla. ¿Por qué echarse para atrás? ¿Por qué vemos tantos casos últimamente? Mi compañero Mikel aprovechó la cancelación de ‘Members Only’ para publicar una lista de otros casos interesantes de los últimos cincuenta años, y me ha inspirado a conjeturar sobre este fenómeno.

El dinero manda

La primera razón obvia que se puede imaginar es el dinero. A fin de cuentas es lo que acaba moviendo a las cadenas en última instancia y lo que impulsa este tipo de decisiones tan radicales. Pensemos en lo que cuesta una producción. Ponerla en marcha, invertir en el casting, activar los circuitos publicitarios, hacerle hueco en parrillas futuras y cumplir con el presupuesto. Con toda la maquinaria funcionando (y quemando dinero desde el segundo uno), no es ninguna locura que los ejecutivos decidan poner el freno y pensárselo de nuevo si lo que ven no les convence.

Los presupuestos generalmente se elaboran pensando en positivo, en la amortización a largo plazo, y suelen incluir varias cifras ajustadas a varias estimaciones de vida. Para entendernos; imaginemos que hay que construir un decorado dentro de un plató y levantarlo requiere X cantidad. Obviamente, si X se divide en 13 episodios, la cosa sale menos rentable que si se reparte entre una temporada tipo de 22 capítulos. Esta puede ser una razón de peso para que una cadena decida dar temporada completa a una serie de audiencias decepcionantes, por motivos de amortización. De hecho, es probable que sea un motivo esencial para que HBO casi siempre conceda segundas temporadas, ya que al no estar tan atada a los datos de audiencia se puede permitir alargar más la producción, amortizar y buscar la forma de sacarle partido después.

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De hecho, HBO me viene fantástica como ejemplo para mi siguiente elucubración. A poco que se ponga, cualquier título suyo tiene cabida en la venta internacional como vía de escape para compensar gastos. Pensemos en una cadena que lleva gastado un dinero en producir un nuevo título que ha acabado por no convencerles nada; no le ven un hueco en su parrilla, el coste de oportunidad es demasiado alto y a la larga parece que frenar la producción y perder lo invertido será menos costoso que seguir adelante. Si estamos ante un mal producto, es difícil sacarle rentabilidad por otras vías como la venta de derechos a servicios de streaming o a cadenas internacionales.

Competencia y coste de oportunidad

El coste de oportunidad es un concepto fascinante que cada día es más relevante en el panorama actual de la ficción televisiva, donde la competencia es cada vez más fuerte. Actualmente hay tantos canales y proveedores de contenidos que han entrado en la producción propia que la presión de dar con LA serie es más intensa que nunca. Enfrentarte a los primeros episodios producidos de un nuevo proyecto y ser consciente de que es difícil que encuentre un hueco en el mercado actual también debe ser un factor relevante para frenarlo fulminantemente.

elecciones

¿Y por qué tenemos tantas cancelaciones prematuras últimamente? Personalmente veo un motivo muy claro y es que en los últimos años estamos viendo cómo las cadenas han entrado en un patrón mixto de ciclos de producción. Por un lado, el modelo de los pilotos no ha sido abandonado del todo, pero las propias networks han manifestado su deseo de perderlo de vista. Invertir en producir una burrada de primeros capítulos de los cuales la gran mayoría no llegarán a nada parece tirar el dinero.

Esto ha llevado a que cada vez veamos más títulos a los que las cadenas dan luz verde por una temporada completa (a veces tratando de engañarnos llamándolos event o limited series); la miniserie ha vuelto, la antología también. En parte esto ha sido impulsado por el auge del streaming (Netflix, HULU, Amazon Prime), empresas que no tienen tanto capital para andar produciendo pruebas y que optan por arriesgarse con unos pocos al año (salvo Amazon, que deja que sus espectadores potenciales voten lo que les gusta). Y claro: sin pilotos de prueba + luz verde por temporada completa + ¡Dios mío por qué encargamos 15 episodios de ésto! = cancelación prematura.

De hecho, la situación es tan extrema que las cadenas más de una vez deciden dar luz verde a proyectos con la idea primera de no dejárselos a la competencia. Y claro, con tanto tirarse a la piscina por unos motivos u otros, a veces toca comerse con patatas un proyecto apasionante en teoría pero terrorífico en la práctica. En cualquier caso, aunque estos proyectos cancelados prematuramente no lleguen a nuestras pantallas, el dinamismo que se respira en la ficción televisiva actual es refrescante y no hace otra cosa que beneficiarnos a nosotros como consumidores y apasionados de las series.
Entrada publicada originalmente en Vaya Tele
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El atractivo de lo meta y la ruptura de la cuarta pared en televisión


La ruptura de la cuarta pared es un fenómeno peculiar de la ficción. Nos asomamos a todo tipo de historias (literatura, cine, televisión, cómic…) buscando entrar de lleno en esos universos artificiales que nos hagan partícipe de todo tipo de dramas y aventuras. Desconectar. Salir de la realidad y entrar en la ficción. De hecho, no es raro oír frases de halago que señalen lo mucho que consiguió atrapar tal o cual historia; entrar en ella por completo y dejarse arrastrar. Y con todo, aún nos sentimos atraídos y estimulados por esas narrativas que rompen la cuarta pared.

Romper la cuarta pared significa dotar consciencia a los personajes de su propio carácter ficcional. Se puede hacer de forma indirecta –descubriéndole lo que es- o yendo un paso más allá y reconocer la existencia y presencia del espectador comunicándose con él de forma directa. Otra forma de romper la cuarta pared es hacer que el juego se establezca entre autor-creador y creado, o entre el narrador y el protagonista ('Jane the Virgin' es tan autoconsciente que sólo le falta eso, que Jane llame la atención al narrador en algún momento). Romper la cuarta pared es quebrar esa barrera invisible que separa al espectador de todo lo demás, pero basta con evidenciar la existencia de un director, de un narrador o de un nivel superior para manifestar la presencia del espectador aunque la interacción no se realice directamente con él.

Anoche se emitió el episodio 100 de ‘La que se avecina’, en el que los guionistas aprovecharon para hacer guiños y homenajes a sí mismos, a ‘Aquí no hay quien viva’, a las series e incluso a Mediaset (por ahí aparecía un sospechoso italiano de pelo blanco). El reparto de repente fue consciente de que eran personajes de ficción cual Truman Burbank y la red se llenó de comentarios, cachondeo y algo de cabreo en referencia a este juego.

A pesar de que como receptores somos uno de los activos esenciales de la narrativa y se nos tiene en cuenta en cada uno de los pasos de la creación de un relato, este tipo de recursos narrativos nos estimula, nos hace sentir más partícipes al subrayarse y evidenciarse nuestra existencia. Quizá sea ese el motivo por el que en televisión es más habitual encontrarnos la ruptura de la cuarta pared en la comedia.

La comedia, género predilecto de lo meta


office

En un género donde la intención final es obtener una carcajada, la presencia del espectador es mucho más notable; de hecho, recordemos que el formato de sitcom clásico ha incluido siempre la presencia del público en la grabación, ya que esa interacción inmediata es muy valiosa en el humor. Ahora que la comedia ha cambiado, ha salido del plató y ha dinamizado su puesta en escena, no creo que sea casualidad que uno de los subgéneros más de moda actualmente sea el del mockumentary.

El falso documental habla directamente al espectador, establece un juego con él y acusa chistes o momentos relevantes con miradas fugaces a cámara. Lo hacía ‘The Office’ (incluso revelando al equipo de filmación hacia el final de la serie), lo hace ‘Modern Family’ (aunque en éste caso las miradas de reojo son más preciadas y la interacción está más en los testimoniales), lo hacen ‘Episodes’ y la divertidísima 'Miranda' con esa complicidad que le caracteriza y también ‘The Comeback’, que se adelantó a la moda. Alguna vez lo hizo ’30 Rock’ (aquel gag del product placement de Verizon Wireless no tiene precio), pero la brillante sitcom de Tina Fey jugaba más en la liga de la meta-referencia, de los guiños al mundo real a través ese universo ficticio en las oficinas de NBC.

Los guiños meta son también una parte esencial de ‘Community’, que más de una vez ha sido consciente de su cualidad de serie de televisión a través de menciones de Abed, en ‘Seinfeld’ lo meta estaba desde el concepto y ‘Padre de Familia’ vive de lo referencial. ‘Supernatural’ es una rareza y es que es menos habitual encontrar este recurso en el drama. Pero el gamberrismo de las desventuras de los Winchester es de sobra conocido, y cuenta con alguno de los juegos meta-referenciales y de rupturas de cuarta pared más memorables de la televisión, como aquel French Mistake (en el que se daban cuenta de que ‘Sobrenatural’ era una serie), el Changing Channels (con Sam y Dean paseándose por todo tipo de programación televisiva) o los propios guiños de la trama al fanfic a través de un profeta que escribe libros sobre ellos.



Como decía, en el drama es menos habitual encontrar éste recurso cuando hablamos de televisión. No tendría por qué, al fin y al cabo es una versión narrativa del mito de la caverna de Platón. Esas siluetas y sombras impresas sobre la pared de la cueva representaban la verdad del hombre hasta que fuese consciente de que no eran más que un reflejo de la realidad, una alegoría empleada con fines metafísicos y filosóficos que se pueden aplicar (y han aplicado) a relatos de ficción, sobre todo en temáticas existencialistas.

Sin embargo, parece que es algo demasiado intenso para la pequeña pantalla y, sobre todo, es un recurso que dilatado en el tiempo quizá pierda su atractivo y resulte reiterativo, cosa que no ocurre con una narración finita como es el cine. Al final, las rupturas de cuarta pared en el drama las encontramos también en tono de guiño cómico al espectador, como es el ejemplo de ‘House of Cards’, donde el personaje de Kevin Spacey hace partícipe de su venganza al espectador a través de esos pequeños contactos, y se aprovecha para subrayar el humor negro o la ironía de las situaciones.

Sea como fuere, la ruptura de la cuarta pared no sólo hace a los personajes conscientes de su carácter ficcional sino que arroja una luz sobre nuestra propia existencia, algo que no es plato de buen gusto de algunos espectadores, que prefieren abandonarse a ese universo sin ningún tipo de interrupción cómica o dramática. Ya que algunos hasta se sienten estafados y molestos con este recurso, quiero cerrar este artículo con una pregunta: vosotros, ¿sois partidarios de romper la cuarta pared o preferís que la ficción quede tras esa pantalla invisible?

Entrada publicada originalmente en ¡Vaya Tele! 



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Los códigos narrativos, el contrato con el espectador y ‘The Affair’

La narrativa forma parte de nuestras vidas de una forma tan orgánica que somos capaces de leerla de forma inconsciente, como quien habla en su lengua materna. El espectador tiende a no acusar la decodificación de fórmulas necesaria para entender un relato; en parte porque en la mayoría de ocasiones esos esquemas son elementales y lineales. Presentación, nudo, desenlace. Protagonistas, secundarios. Trama principal, trama secundaria; trama episódica, trama de temporada. Son conceptos que nos resultan tan básicos que, tras tantos siglos de evolución narrativa, no reparamos en ellos de forma consciente al igual que no nos detenemos a identificar si estamos conjugando un verbo en pretérito imperfecto o pluscuamperfecto. Sólo hablamos. Sólo leemos. Y, con suerte, sólo nos dejamos llevar por la historia.

Es por eso que establecer una base del lenguaje a la que el espectador se amolde desde el principio es esencial. El crear unas reglas básicas -sea un drama realista o ciencia ficción de aventuras- no sólo es aplicable al fondo, al universo en el que se mueve la historia, sino también a la forma. Flashbacks, puntos de vista, voz en off o el tipo de narrador son algunos conceptos que caracterizan ese contrato inicial con el espectador; ese mira, así te voy a contar las cosas, ¿te hace? Y cuando nos topamos con algo diferente y/o estimulante, hace. Hace mucho.

Sigue leyendo sobre 'The Affair' y sus códigos narrativos en este artículo de ¡Vaya Tele!


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'The Comeback', una comedia adelantada a su tiempo


Quién nos iba a decir hace unos años que podríamos hacer juegos de palabras con el retorno de 'The Comeback'. Nueve años después de que su primera y (por poco tiempo) única temporada de 13 episodios finalizase, Valerie Cherish regresa esta misma noche a HBO con una segunda entrega de ocho capítulos que nos devolverán a esa divertidísima y frecuentemente incómoda sátira del hollywood más televisivo.
Qué importante es el timing. Adelantarse a lo que será la próxima moda audiovisual es muy difícil, y ser de los primeros en subirse a una tendencia para después bajarse antes de tiempo por no ser conscientes de ello ('Firefly', 'Moonlight', 'Wonderfalls') tiene que resultar muy frustrante. Eso del mockumentary es una tendencia bastante reciente. Cuando HBO se aventuró y aprobó el proyecto de Michael Patrick King ('Sexo en Nueva York') y Lisa Kudrow, el género del falso documental cómico aún no había explotado.

El mockumentary incómodo, aquel desconocido

Ricky Gervais había hecho sus pinitos allá en el Reino Unido con 'Extras', que no era un mockumentary pero sí se movía en un terreno del humor incómodo que después explotaría en su ya sí falso documental de ‘The Office’. En aquella era del pre-hashtag y pre peer-to-peer, las series no nos llegaban con tanta facilidad ni tenían la capacidad de ganar notoriedad como actualmente así que fue a raíz de la versión americana (2005) y las posteriores comedias que seguían esa estela de mockumentary y/o humor incómodo (‘Parks and Recreation’, ‘Modern Family’, ‘Episodes’) que el género acabó por explotar.



HBO, King y Kudrow llegaron en verano de 2005 con este ‘The Comeback’, una mirada satírica a la vida de una vieja gloria de la comedia que busca hacer su regreso a la televisión y al estrellato sin que la industria se la lleve por delante. Todo muy meta. Valerie, que lo fue todo en los 90, se prepara en los primeros episodios de la serie para protagonizar una nueva, mucho más moderna (TETAS), comedia de situación.

Al mismo tiempo, un par de cámaras y una productora siguen todos sus pasos con el afán de rodar un reality que sirva como making off del comeback de Cherish a televisión. Como buenos hacedores de reality, el crew no se pierde un detalle y captan sin ningún tipo de censura o pudor la vida de la actriz, que no pasa precisamente por uno de sus mejores momentos.

Brillante sátira y mejor interpretación

Valerie Cherish es un personaje complejo. Por un lado es una superviviente; una luchadora en un mundo de tiburones sin sentimientos, de una programación marcada por la superficie de carne joven que esté dispuesta a mostrar y de hipocresía. Pero Valerie también se mete en muchos jardines ella sola; a veces por aparentar, otras por no mostrar debilidad, es la primera hipócrita de la historia y por ello el papel de Lisa Kudrow toma aún más relevancia. La que siempre será Phoebe en nuestros corazones consigue dar el toque justo de ternura y de buen corazón al personaje para que sea imposible no conectar con su espíritu, tenacidad y fortaleza a pesar de su tendencia a meter la pata, a reforzar el patetismo y acabar con todo glamour asociado a la industria del entretenimiento.



‘The Comeback’ tiene ahora una hermana melliza en emisión protagonizada por otro ex-Friend, ‘Episodes’. Ambas se centran en ese quehacer televisivo; en el universo de los guionistas, las exigencias de las cadenas, la presión de los ratings, los upfronts, los rodajes con público en directo, la publicidad y la imagen pública. Sin embargo, el título de Joey es más irregular, sobre todo en su sátira al universo televisivo. En 'The Comeback', la temporada está enteramente centrada y dedicada a ello y el nivel de acidez y mordacidad crecen exponencialmente con cada episodio. Es bruta y extrema a doler, pero también tiene un punto depresivo y hasta trágico que viste aún más el conjunto.

Desde entonces, el panorama televisivo ha cambiado mucho. Ahora se produce más ficción, hay nuevos fenómenos que determinan el negocio con los que 'The Comeback' puede arremeter y ofrecer una sátira igual de divertida pero de manera actualizada. Los cambios en la importancia que se le dan a las diferentes audiencias y los DVR, los servicios de streaming y el bingewatching, la migración de directores o actores del mundo cinematográfico al negocio de la televisión pueden ser temas interesantes para esta segunda temporada que se estrena hoy.

'The Comeback' fue una adelantada a su tiempo. Se atrevió con un formato y un tono que aún no se habían hecho un hueco en televisión; fue una incomprendida. Pero ahora tiene otra oportunidad; una ocasión de que vean su brillo. Esperemos que este regreso del regreso convenza a los espectadores de retomar a la encantadora y sufridora Valerie de hace nueve años.

Artículo publicado originalmente en ¡Vaya Tele!
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'Zankyou no terror' cierra a medio gas su prometedor planteamiento sobre el terrorismo


Sinchiro Watabe no es ningún novato. Su currículum incluye títulos que ya se consideran clásicos del anime (o, como mínimo se cuentan entre los favoritos de muchos), como 'Cowboy Bebop', 'Samurai Champloo' o, más recientemente, 'Space Dandy'. Sólo el nombre de Watanabe atrae todas las miradas al nuevo título que presente, pero en el caso de 'Zankyou no Terror' el punto de partida resultaba de lo más estimulante.

Estamos en un Tokyo contemporáneo alternativo. Un día de verano, la ciudad sufre un ataque terrorista. La única pista con la que cuenta la policía son unos vídeos subidos a internet de una pareja de adolescentes que se hace llamar "Sphinx". A través de la mirada de los dos chavales, Doce y Nueve, y del policía que intenta descifrar los enigmas que éstos plantean de cada ataque, los porqués se irán desenvolviendo poco a poco.

Este es el punto de partida de 'Terror in Resonance', anime estrenado en una temporada de verano que ya da sus últimos coletazos, que produce MAPPA, estudio que colabora con Bones en 'Space Dandy' y que cuenta también con los diseños de Kazuto Nakazawa ('Samurai Champloo', 'Kill Bill'). La estupenda ficha técnica se completa con la brillante Yoko Kanno, compositora que es toda una leyenda en el terreno del anime ('Wolf's Rain', 'Ghost in the Shell', Cowboy Bebop', 'X/1999', 'Escaflone'...) y cuyo trabajo en la banda sonora es alucinante.

Un planteamiento desaprovechado


Con tan sólo un par de episodios, 'Zankyou no terror' ya se desbancaba como un anime a seguir. El terrorismo no es un tema ajeno a la animación japonesa -ni tampoco que los adolescentes sean los protagonistas de las historias-, pero el acercamiento adulto y oscuro, sumado al aspecto técnico, colocaron la serie a la altura de las expectativas. Los enigmas que Sphinx plantean capítulo a capítulo eran más funcionales que otra cosa, y ese primer tramo de episodios de estructura conclusiva se aprovechan muy bien para presentar los perfiles tanto de Nueve y Doce (los chavales) como de Shibazaki (el detective).

Este tipo de animes suele tener un punto de inflexión a mitad de temporada y con 11 episodios totales el cambio 'Zankyou no terror' llegó pronto. Con un nuevo jugador en el tablero, el argumento amaga con entrar de lleno en los porqués, en el pasado de los dos jóvenes y lo que pretenden con todos los ataques terroristas con los que en el fondo nunca quieren dañar a nadie. Sin embargo, nunca llega a estallar del todo, ni siquiera al final.

El caso es que se entrevén conflictos relevantes con Estados Unidos, la bomba atómica o el ejército Japonés -no entro en detalles para evitar spoilers- pero todo queda muy en la superficie, eclipsado por un juego del gato y el ratón basado en débiles motivaciones y que se centra en el aspecto más de acción y misterio en lugar de explotar y aprovechar lo verdaderamente estimulante de la historia.


 
El fantasmagórico y melancólico ending. El opening es este otro.

El apartado técnico de la serie es impecable. El diseño de personajes y la atmósfera gris encajan con el tono de la historia. Watanabe es un director excelente y es algo que demuestra en cada episodio, aunque en algunas ocasiones el guión desperdicie las posibilidades de ir más allá, no sólo por lo que comentaba antes, sino porque además hay ocasiones en las que se caen en incoherencias o detalles que le restan el realismo que envuelve la propuesta. Por no hablar de oportunidades desaprovechadas -como esa partida de ajedrez. La música de Yoko Kanno envuelve la historia y se alza como uno de los aspectos más destacables del conjunto; desde los fragmentos más dramáticos al piano hasta las combinaciones jazz-rock para los fragmentos más movidos.

Es una lástima toparse con un proyecto que prometía tanto como 'Zankyou no terror' y ver las posibilidades y oportunidades desaprovechadas episodio a episodio. Ser consciente de cómo esos personajes femeninos eran un lastre para la historia y cómo con algún episodio más quizá el último tramo podría haberse desarrollado mejor y no acabar con un cierre que deja frío e indiferente. En cualquier caso, siempre es interesante asomarse a lo que Watanabe tenga que ofrecer. ¿La habéis visto? ¿Qué os ha parecido? ¿Preparados para la temporada de otoño? Por cierto, el undécimo episodio acababa con el trailer de la segunda temporada de Psycho-Pass, aprovecho para recordar que os la recomendé por aquí y que hay tiempo para ponerse al día.

Artículo publicado originalmente en ¡Vaya Tele! 
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En favor de la comedia romántica o cómo 'You're the worst' aprovecha que sus protagonistas se enamoren




El terreno de la comedia romántica es pantanoso. A estas alturas de la ficción audiovisual, cuando el cómo se cuenta se ha comido por completo al qué se cuenta, hay géneros que sufren más de que sus fórmulas estén explotadas y casi agotadas. Casi. Porque si hay algo estimulante en la narrativa actual es cómo aprovecha el bagaje e imaginario audiovisuales de un espectador que a estas alturas cuenta con ciertos códigos que facilitan el trabajo, que permiten coger caminos serpenteantes para contar historias de toda la vida como, digamos, esto son dos que se enamoran.

En la comedia romántica es aún más difícil trascender. Comedia, ese género injustamente considerado menor. Romance, esa temática que parece producir sarpullido en esta sociedad cínica en la que vivimos. El carisma de la propuesta se me antoja aún más vital en ese combo si se quiere llamar la atención o estar a la altura de la expectativa; el tono y los personajes han de marcar aún más la diferencia. Fallar en esa exigencia puede fácilmente lleva a un título como ‘You’re the worst’ a recibir críticas que le restan mérito sólo porque sus protagonistas se enamoren.

Sí, se enamoran. Gretchen y Jimmy protagonizan esta comedia de FX que hace unos días despidió su primera temporada de 10 capítulos. La relación entre ambos empieza con un primer episodio magnético que muestra la intimidad de dos jóvenes con una filosofía desapegada en el terreno del amor. Como descreídos de las relaciones, egoístas y celosos de sus sentimientos, poco a poco van cayendo rendidos ante la conexión evidente que hay entre ambos. Cada episodio deja caer nuevos detalles o empieza a derrumbar alguna de las barreras emocionales que ellos mismos se habían puesto. Conectan. Y mientras ellos se enamoraban, las (pocas) impresiones que se podían leer sobre ésta comedia era que seguía siendo simpática a pesar de haber caído en terrenos convencionales. Efectivamente, debemos vivir en una sociedad muy cínica si pensamos que dos enamorándose es caer en convencionalismos.


'You're the worst' mantiene su tono fresco y gamberro gracias a la química de unos personajes cuyos dilemas de treintañeros a los que les llega el amor sin avisar (o que lo buscan por los motivos equivocados) se fusionan con un momento vital en otros aspectos de su vida además del romántico. Se adentra en lugares comunes, sí, pero de la vida, no del género.
- Al menos lo intentaste con Jimmy
- ¿De verdad lo hice? Tengo la sensación de que siempre tuve un pie en la puerta. Matrimonio, puaj. Qué convencional.
- ¿Qué nos pasa, somos feministas? ¿¡Esto es feminismo!?
- No, sólo estamos huyendo de cosas. No es feminismo, es miedo.
- ¿Qué estás diciendo? ¿Que intentarlo es lo valiente?
- Puede. Quizá lo suyo sea aceptarlo.
Ese diálogo del último episodio es la guinda perfecta para describir el camino de los personajes y la serie durante la primera temporada. Creían que lo cool era no enamorarse; no intentarlo. Que ser independientes, descreídos y recelosos del amor es lo moderno y apropiado para el cinismo de hoy. Lo refleja con tanta naturalidad e irreverencia que es difícil no sentirse una lo-peor viéndote reflejada en ciertas actitudes, miedos o poses. Pero episodio a episodio, dilema a dilema, paso a paso en la relación, la convivencia, la intimidad y la confianza, todos han ido descubriendo los motivos por los que quizá estaban equivocados e intentarlo, ir a por todas, es lo realmente valiente.

Y lo mejor es que lo han hecho siguiendo los códigos habituales de la comedia romántica pero dándoles la vuelta y aplicándoles el tono mordaz que impregna toda la propuesta. Es capaz de parodiar lugares comunes como el temido encuentro con los padres o la típica fase depresiva post-ruptura sin perder nunca de vista que lo que está contando en el fondo es el proceso de enamoramiento de una pareja. Y ahí está su gran acierto. Que es una historia de amor pero con los códigos de la sociedad actual; con los tics, la perspectiva y las visiones con las que su público puede fácilmente conectar.

‘You’re the worst’ me ha recordado en ciertos aspectos a la maravillosa ‘Dates’, historias de amor que han sabido adaptar el discurso romántico en clave contemporánea y donde sus personajes –desde los más contenidos hasta los más excéntricos- presumen de una verdad, naturalidad y humor refrescantes.

Artículo publicado originalmente en ¡VayaTele!
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Tres cosas que no esperaba del final de ‘Como conocí a vuestra madre’ (y dos que sí)


Los finales de serie siempre son polémicos; es difícil contentar a todo el mundo pero sobre todo es imposible sobrevivir al escrutinio exagerado del segundo a segundo que provoca internet y las redes sociales. Cuando desenlaces tan consecuentes como el de ‘Cómo conocí a vuestra madre’ reciben una crítica tan brutal que te preguntas qué serie han estado viendo todos estos años, lo más sano es separarse de esos extremismos y tratar de valorarlo acorde con el camino que se ha llevado a lo largo de los nueve años.
Personalmente me encuentro en un punto más neutral con respecto a este último episodio doble, a pesar de poder criticar la forma en la que han llegado a ello, es un buen final, fiel a la serie, emotivo y con guiños al espectador. Mi compañera Lorena escribía ayer una review menos complaciente, pero como es loable que tras tantas temporadas y giros la comedia haya sido capaz de sorprender, aquí va otra visión empezando por las tres cosas que no esperaba del final.

Barney y el amor de su vida

Después de incontables jugadas de ligoteo y de ser el gamberro superficial del grupo, la evolución de Barney le había convertido en alguien capaz de amar por la persona adecuada. Después de dedicar tanto tiempo y tantos altibajos a demostrar que detrás de tanto traje había un corazoncito, descubrimos que acaba divorciado de Robin. Es el giro más tramposo de este final, y es que tras tantas temporadas empeñados en cimentar esa relación, apenas había indicios de que esto pudiese pasar, y si los había no iban con él. Si la separación hubiese llegado únicamente por parte de ella, había sido más consecuente con el personaje que han construido durante tantos episodios.


Sigue leyendo sobre el final de "How I met your mother en ¡Vaya Tele!

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Lo que echaremos de menos de 'Cómo conocí a vuestra madre': un tributo en GIFs


Mañana por la noche se emite en Estados Unidos el final de ‘Cómo conocí a vuestra madre’. Nueve temporadas, unas cuantas polémicas, otras tantas teorías y unas risas considerables después, este grupo de amigos que ha traspasado fronteras se despide. Es una de esas comedias que, como ocurre con ‘The Big Bang Theory’ por ejemplo, es seguida por muchísima gente sin importar de dónde son o si suelen seguir otras series; el fin de una era. Se estrenó en septiembre de 2005 y desde entonces ha tenido muchos altibajos y reajustes pero también muchos momentos inolvidables o referencias propias que pasarán al imaginario colectivo.

Las series tienen que llegar a su fin en algún momento y ‘How I Met Your Mother’ se va a despedir tras una estupenda temporada que ha mezclado a la perfección la comedia con el romance; la nostalgia con el pasado y lo más meta con las pildoritas sobre el futuro que no veremos. Y nos deja con un buen sabor de boca que hace recordar todo aquello que la hace especial y que recordaremos y echaremos de menos en el futuro.

Robin Sparkles

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La Slapbet

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Legen… wait for it… Barney

Como concepto. Ha sido una fuente constante de risa y gamberrismo durante todas sus temporadas. Echaremos de menos sus “Legendary”, sus infinitas versiones de chocar los cinco, el interminable BroCode, las teorías, su estilazo y el SUIT UP!, el siempre divertido Playbook con esa colección de maneras imposibles de ligar, la magia o que salga perfecto e impoluto en todas las fotos.

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Muchos más GIFs y cosas para recordar de 'Como conocí a vuestra madre' en ¡Vaya Tele!

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El progreso tecnológico: el terror del guionista audiovisual


La ciencia ficción se ha alimentado siempre de la evolución tecnológica de la humanidad para construir sus mundos imaginarios intentando ir un paso por delante introduciendo coches voladores o vallas publicitarias con identificación de individuo en sus universos. Esta tecnología puede tener más o menos influencia en el desarrollo de la historia –en una de las más recientes, la fabulosa historia de amor moderna de Spike Jonze en ‘Her’ era el factor clave- pero siempre está al servicio del guionista, de lo que quiera y necesite contar en cada momento.

Sin embargo, la tecnología se vuelve mucho menos conveniente cuando es algo que forma parte del día a día real del mundo en el que vivimos; mundo que intentamos replicar en las historias contemporáneas. Los smartphones, el Whatsapp o Google Maps son herramientas del día a día que se han convertido en verdaderos dolores de cabeza potenciales para el guionista, que ha de huir de ciertos planteamientos narrativos imposibilitados por el progreso tecnológico o sortearlos de la forma menos llamativa que encuentre.

La cobertura, el nuevo Deus Ex Machina

Todas aquellas tragedias griegas ancestrales tenían una excusa para recurrir a una deidad que apareciese de la nada para resolver la situación, y es que los propios Dioses estaban todo el día liándola (y liándose). Este Deus Ex Machina sigue presente en las historias tantos siglos después y se puede manifestar no sólo en giros incoherentes que salvan un entuerto sino también en obstáculos o circunstancias que favorezcan el conflicto.
Pensemos en el terror. Obviando el hecho de que una miradita rápida a Tripadvisor podría alejar de lo moteles inmundos a los que acaban huyendo durante 90 minutos, no es ninguna casualidad que todos los horrores del cine ocurran en casas abandonadas, bosques remotos o carreteras que cruzan por mitad de un desierto. Antes era suficiente con añadir una dificultad extra a las posibilidades de pedir ayuda o con cortar la línea telefónica de tierra. Ya no. Ahora DEBES matar el móvil. Como sea. La frase “mierda, no tengo cobertura” es uno de los deus ex machina más recurrentes de cualquier planteamiento de suspense por persecución y ataque de cualquier tipo, una frase con cada vez menos credibilidad que hace que títulos tan recientes como ’127 horas’ hoy en día estarían cogidos con pinzas.


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'Mind Games', el fallido y convencional 'Inception' de Kyle Killen


Kyle Killen lo ha vuelto a hacer. Bien podríamos caer en un juego de palabras con su apellido, ya que por mucho que lo intenta no acaba de dar con una serie que convenza al gran público. A ‘Lone Star’, su primer y prometedor drama que protagonizaba James Wolk (ahora divertidísimo en ‘The Crazy Ones’) y que apenas duró tres episodios en emisión, le siguió la fantástica ‘Awake’, una muy medida mezcla de procedimental policíaco y drama psicológico que nunca llegó a cuajar en datos. Primero FOX, luego NBC y ahora ha sido ABC la que ha estrenado su tercer título como creador en la parrilla de midseason.

‘Mind Games’ se revela enseguida como un nuevo intento de Killen de desarrollar historias que le apetece contar. Sus tres títulos hasta el momento tienen ciertos elementos en común que podrían hacernos pensar que ‘Awake’ es esa creación que nunca repetirá a no ser que cambie de tercio. ‘Lone Star’ giraba en torno a un joven cabalgando entre dos mundos y ‘Mind Games’ se adentra en los misterios de la mente y la influencia, los dos elementos que definen ‘Awake’.

Es notable cómo a pesar de mantener en esencia ese interés por los juegos de la mente el factor procedimental ha pesado mucho en el formato de ‘Mind Games’, que nos presenta a dos hermanos al cargo de una empresa dedicada a manipular psicológicamente a aquellos que los que depende la vida de sus clientes. Steve Zahn interpreta al genio y bipolar Clark que idea las tácticas de influencia mientras que el hermano capitalista (más figurativa que literalmente) es Christian Slater, un ex convicto que hará lo que sea para sacar la empresa adelante. Junto a ellos encontramos la exmujer del último, la novia del primero y algunos secundarios extra que sirven de apoyo en las misiones.

‘Mind Games’, inicialmente llamada ‘Influence’, se podría resumir como el hijo bastardo de ‘Origen’ de Christopher Nolan y ‘Los Simuladores’, la serie argentina que también tuvo una adaptación producida por Cuatro. Hablando sobre el proyecto, Killen comentaba cuánto le fascinan los estudios que había en torno a este tipo de manipulación y cómo su práctica convertía el trabajo de los protagonistas en algo moralmente cuestionable, un detalle que queda demasiado diluido en los problemas de formato de la serie.

Sigue leyendo mis primeras impresiones de 'Mind Games' en Vaya Tele
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De cómo los cambios en las categorías de los Emmy reflejan los cambios en el panorama televisivo


Este fin de semana hemos sabido que los Emmy han hecho unas pequeñas pero significativas modificaciones en alguna de sus categorías. En primer lugar, se ha ajustado la regla del 2% en las categorías de mejor serie de comedia y de drama; esto quiere decir que si el candidato que quede en séptimo puesto está dentro del 2% de los votos, saldrá nominado. Resumiendo, se ha ampliado el margen de la categoría de 6 a 7 nominados. Esta es una respuesta más que lógica al crecimiento exponencial en la producción y emisión de ficción de las últimas dos temporadas.

Es algo a lo que constantemente hacemos referencia cuando Netflix tiene nuevo proyecto o una cadena que originalmente no tiene producción propia se aventura en el terreno de la ficción: el panorama está cambiando. Rápida y drásticamente. Hay industrias (como la española) que desprecian internet por lo que está haciendo con la cultura en general y el entretenimiento en particular, pero lo cierto es que la globalización que ha llegado con la red es gran parte de la “culpable” del incremento en la producción de las series.

La ficción ha tirado todas las barreras y ahora más cadenas se están animando a tomar su pedacito de tarta, en parte alentadas por el éxito de Netflix (que ha entrado como un elefante en una cacharrería), las ventas internacionales y la realidad cada vez más patente de que el mundo demanda contenidos interesantes y los busca donde sea, aunque haya que recurrir a paises de idiomas muy ajenos. Menos pilotos, más series evento (es decir, más variedad) y producciones para todo tipo de perfil y público que incluso están tirando las barreras que separan formalmente al cine y la televisión.


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Las caras más famosas que han pasado por ‘Veronica Mars’


Seguimos con nuestra semana dedicada a rememorar ‘Veronica Mars’. Con el estreno de la película a menos de 24 horas (algunos estamos en plan Jack Bauer, con una cuenta atrás obsesiva), ya hemos hablado de lo que fue su estupenda primera temporada y también de ese mundo de influencias y referencias tan patente en sus tres temporadas. Hay un factor en principio sin importancia que hace que los seriéfilos disfrutemos más de los revisionados: los casi famosos. Hay títulos como ‘Urgencias’ o ‘El Ala Oeste de la Casa Blanca’ que son un nido de actores y actrices que en su momento aún no estaban en el mapa pero que ahora vemos con otros ojos.

‘Veronica Mars’ es una de esas series y el tema de hoy es repasar alguna de esas caras reconocibles. Empezando por aquellas que aún no habían tenido su momento encontramos a Aaron Paul (‘Breaking Bad’), aparentemente encasillado ya que interpreta a un medio colgado con cara de corderito degollado (todo rima) al que la policía interroga. Otro papel episódico fue para Jessica Chastain (‘Criadas y Señoras’), que había salido en ‘Urgencias’ y después se paseó por algunas series hasta que llegase su año (2011); aquí interpretaba a una vulnerable vecina de Verónica con ciertos problemas domésticos.


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Una mirada a la redonda y carismática primera temporada de Veronica Mars


[Entrada sin spoilers] Hoy se estrena la película de ‘Verónica Mars’ en todo el mundo; en algunos países tendrán la suerte de verlo en pantalla grande mientras que otros, los backers que colaboramos de nuestro bolsillo para que saliese adelante el proyecto con aquel tan comentado Kickstarter, lo tendremos disponible en plataformas de visionado por streaming. Aprovechando este inminente regreso a Neptune decidí aventurarme a un raudo revisionado de los episodios, una re-visitación que ha afianzado aún más la calidad y originalidad de su primera temporada.

Un septiembre de 2004, aquel año que revolucionó el universo seriéfilo con los estrenos de ‘Perdidos’ y ‘Mujeres Desesperadas’, vio la luz una serie con una mezcla de géneros aparentemente imposible y un tono irónico muy especial que haría que muchos se enamorasen a primera vista. Su apariencia de serie juvenil y la cadena tan minoritaria donde se emitía (la ya inexistente UPN) jugaron en su contra; era una propuesta adelantada a su tiempo y afincada en el lugar equivocado que (por muy convencidos que estemos algunos) nunca sabremos si un cambio en alguna o las dos variables habría significado un destino diferente.

Sea como fuere, diez años y tres temporadas después (dos más de lo que sus datos del momento merecían) volvemos a Neptune en una nueva aventura noir de Verónica, y durante estos días podréis leer varios artículos que echan una mirada a lo que fue ‘Verónica Mars’ y a ese ADN que esperamos encontrar en la continuación cinematográfica. Empezamos aquí con un repaso sin spoilers (los únicos detalles de trama que se dan se revelan en el primer episodio) a su carismática y redonda primera temporada.


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La censura convierte a ‘Pupa’ en el anime más polémico y decepcionante del momento


Utsutsu y Yume son dos hermanos que viven solos después de haber sido maltratados y abandonados. El pasado es algo que se va descubriendo a lo largo de la serie así que me limitaré a concluir que su infancia fue todo menos feliz. Ya huérfanos, Utsutsu ejerce de hermano mayor y protector de la pequeña Yume. Tras ver unas extrañas mariposas rojas, los dos hermanos se infectan con un virus conocido como Pupa, que convierte a la pequeña en un monstruo sediento de sangre y otorga el poder de regenerarse al mayor, permitiendo así saciar el hambre de carne humana de su hermana mientras busca la forma de devolverla a la normalidad.

Este es el punto de partida del manga de Sayaka Mogi que acabó de publicarse hace pocos meses y cuenta con una adaptación al anime que ha llegado con mucho retraso y aún más polémica. La serie está producida por el Studio Deen (‘Rurouni Kenshin’, los OVAs de ‘Ranma ½’, ‘Blood +’) y dirigido por Tomomi Mochizuki (‘Puedo escuchar el mar’); se anunció para la temporada de otoño de 2013, pero los problemas de producción por el contenido de la historia retrasaron su estreno hasta el 9 de enero de este año.


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Series del pasado que habrían roto twitter



El pasado domingo durante la gala de los Oscar, Ellen DeGeneres rompió twitter con el ya famosísimo y parodiadísimo selfie protagonizado por ella misma y un puñado de estrellas. Ha sido el momento más comentado de la noche y el tweet más twitteado de la historia que hizo que la red social se tambalease durante unos minutos. A la gala de este año se le ha visto el plumero con su intento de forzar lo viral con las constantes referencias de Ellen al tema, deteniéndose un rato a reírse con Jennifer Lawrence de sus caídas (y de paso seguirle el juego a todo Internet, que está entregado al desparpajo de esta muchacha en forma de gifs), y provocar cantidad de momentos “memerizables” que les garantizasen la notoriedad en la red.

Además del récord de RT, la fuerza de lo viral se ha demostrado durante estos días no sólo con el volumen de imágenes y parodias derivadas de la gala (como el ya inolvidable Adele Danzeem de Travolta y el generador de nombres travoltianos); también se ha visto en los datos de audiencia –la gala más vista desde que ‘El Retorno del Rey’ arrasase en 2004 y también el programa de entretenimiento más visto desde el final de ‘Friends’- y Ellen DeGeneres ha batido récords con los datos del su Talk Show del lunes (invitando, por cierto, al repartidor que llevó las pizzas).

La gala de los Oscar es sólo un ejemplo del poder a explotar que reside en las redes sociales, y en el ámbito televisivo lo vemos constantemente con el uso del hashtags en la emisión de programas polémicos como el reciente ‘Operación Palace’, el semana a semana de la emisión de series populares como ‘Breaking Bad’ –que con su racha final de episodios fue una de las reinas indiscutibles- y en sucesos concretos como el famoso #Sherlocklives o hitos narrativos como la revelación de la madre en ‘Cómo conocí a vuestra madre’, detalles de los que es imposible escapar aunque no veas aquello a lo que se refiere.
Todo esto es muy reciente. Aunque twitter empezó a crecer alrededor del año 2008, ha sido en estos dos últimos años cuando la popularización de la red social ha crecido exponencialmente, dejando atrás muchas series que habrían revolucionado los trending topic y hecho explotar el servicio. Es por esto que nos ha parecido divertido pensar en esas series que habrían generado un volumen inmenso de respuesta en las redes sociales de haber existido en su momento.

Friends – Ross y Rachel


Aunque ‘Friends’ habría sido carne de hashtag con muchos de sus momentos o frases más míticas (We where on a break, How you doing, Unagi) es realmente la relación tormentosa entre Ross y Rachel la que habría copado las redes sociales con cada nuevo paso adelante o atrás. ‘Friends’ sería ese tipo de serie que podrías seguir via Tumblr sin necesidad de verla y Mónica gorda se habría paseado por todo tipo de lugares y compañías en un meme, al estilo de cosas como Benedict Cumberbatch cayendo o Leo DiCaprio caminando feliz.


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El plano secuencia en televisión


El plano final del episodio más reciente de ‘True Detective’ ha generado bastante ruido y fascinación estos días; y no es para menos. El plano secuencia es un rara avis en la pequeña pantalla y toparse con uno tan dinámico y arriesgado como el que Cary Fukunaga ofrece como cierre al cuarto episodio del oscuro drama de HBO es un regalo que pocos se atreverían a plantear. Son muchos los motivos por los que la televisión huye de este tipo de apuestas de realización, que básicamente podríamos resumir en tiempo y formato.

‘True Detective’ es de por sí un producto muy poco televisivo. Ya se apreciaba en su primer episodio cómo la narrativa del guión y del acercamiento formal de la imagen, el ritmo y el tono se acercaban mucho más al cine –-no en vano hubo más de una comparación con títulos como ‘Zodiac’, una referencia que cada vez resulta más acertada. La televisión, incluso en los productos de cable que tienen unas limitaciones y exigencias menos marcadas, tiene un lenguaje más dinámico que suele ir hacia una edición picada que más planos cortos y medios en montaje rápido que encuadres más abiertos y continuados.




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Sobre la migración de directores de cine a la televisión


¿Qué está pasando? Hasta hace nada, que un director con cierto renombre en la industria del cine apareciese en un titular sobre una nueva serie de televisión era la excepción; una noticia de esas para arrancar con un ¡bombazo! en mayúsculas y letras de neón. Ya no. Fincher adaptando ‘Utopía’ para HBO, Shyamalan con su serie para este verano ‘Wayward Pines’ y los Weinstein arramplando con directores tan variopintos como Wes Craven, Gus Van Sant o Lee Daniels entre otros para su ’Los 10 Mandamientos’. Pronto llegará ‘The Strain’ de Guillermo del Toro, Sam Mendes tiene un acuerdo de desarrollo con Showtime y Aronofski con lo propio pero en HBO, Nicholas Winding Refn supuestamente anda con su Barbarella y Steve McQueen desarrollando dos series sobre la esclavitud para BBC y HBO.

Podríamos seguir enumerando ejemplos de cómo algo que empezó a despuntar hace unos años con proyectos como ‘Broadwalk Empire’, ‘Los Borgia’ o ‘Boss’ ha estallado la pasada temporada televisiva. Cadenas de cable que típicamente no se arriesgaban con producción propia lo están haciendo, Netflix está en boca de toda la industria y la ficción en televisión ha ganado una notoriedad que cada vez se tiene más en cuenta. Hollywood está perdiendo las ganas de innovar en lo que a la masa se refiere, lo vemos tanto en cine como en televisión, pero el potencial de las minorías es muy distinto en ambas industrias.

El valor de la minoría

Las grandes inversiones en cine acaban yendo a esos proyectos que aspiran a convertirse en la próxima franquicia millonaria o en el blockbuster del verano. Se persiguen esos contenidos masivos que arrastran al espectador a las salas –ya no sabemos si por interés genuino o por obligación de la máquina mercadotécnica- y que cada vez se limitan más a historias obvias y poco arriesgadas entre las que hay que rebuscar para dar con alguna que pase de entretenida.


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Sobre ese 0.5% que queda huérfano tras la mudanza de MTV


Finalmente se ha hecho oficial: MTV abandona la TDT, la televisión en abierto. La continuidad de su poca producción propia y de la programación internacional de su parrilla está en menos peligro con la confirmación de su traspaso a Canal +, pero creo que la ocasión merece que hagamos un minuto de silencio por ese 0.5% de share de media que se queda sin la cadena más juvenil de toda la oferta televisiva en abierto. Esa cifra no será nada impresionante pero el público que al que representa quedará completamente huérfano con este cambio.

Aparentemente no parecería el fin del mundo que MTV acabe en Canal + ya que al menos sigue existiendo como opción de contenido televisivo pero también hay que ser coherentes; ese 0.5% jamás podrá permitirse una suscripción a la televisión por satélite. Con la TDT ha llegado la especialización y mientras que otras cadenas tienen una diferenciación difusa y dependen más de programas concretos que definan su imagen (pensemos en Discovery Max y Xplora, que uno no tiene claro dónde empieza una y acaba la otra), MTV tenía uno de los perfiles más concretos y específicos de toda la oferta de TDT.

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La tercera temporada de ‘Sherlock’ en gifs


Sherlock Holmes y John Watson han vuelto y el otro día hacía un repaso a lo que ha sido esta temporada. La perspicacia de uno, los caretos de reacción del otro y una dinámica de pareja que ésta tercera temporada ha explotado al máximo con sus tres gamberros, autoconscientes y brillantes episodios. Tras la larga espera, vino y se fue; y con su ritmo frenético, su sugerente realización y la química de su reparto se ha pasado tan volando que la mejor terapia que se me ocurre es zambullirnos una vez más en todo ello en modo gif



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La amistad y la comedia se adueñan de la tercera temporada de 'Sherlock'


¿Se ha convertido ‘Sherlock’ en otra cosa?

La tercera temporada se ha despedido casi tan pronto como se ha marchado y ha dejado cantidades ingentes de críticas y backlash a su paso. Y es que la forma en la que Mark Gatiss y Steven Moffat han planteado una entrega que muchos llevaban dos años esperando no ha sido plato de buen gusto para todos sus seguidores –y con todo, ha tenido unas cifras de audiencia desorbitadas, quedándose a las puertas de los 9 millones de espectadores de media y superando el 30% de share). The Empty Hearse (escrito por Gatiss), The Sign of Three (escrito por Stephen Thomson) y His Last Vow (escrito por Moffat) han sido los tres episodios que han compuesto la temporada, este último dejando las cosas más que interesantes para las ya confirmadas cuarta y quinta entregas.

El problema de ‘Sherlock’ es haber evolucionado tanto. Ya no se trata de ver cómo la brillante capacidad de deducción de Holmes resuelve unos casos de importancia notable en la trama de cada episodio; no trata de cómo su entorno se enfrenta a las particularidades y excentricidades del personaje, de cómo siempre va un paso por delante a los demás o de ir poco a poco construyendo a ese dúo dinámico que forma con John Watson. Esta tercera entrega ha relegado los casos a poco más que un macguffin para ahondar en la relación de afecto entre los dos amigos protagonistas; ha ensalzado la comedia como parte esencial y definitoria de sus guiones y ha ido un paso más allá con la realización y tratamiento visual del formato.


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